POR AMOR AL ARTE

PRIMAVERA A TRAVÉS DE CONCEPTOS MATEMÁTICOS y LA OBRA DE ARCIMBOLDO

2011-04-07T12:23:00.000-07:00

El blog La clase de Eva y sus pitufos ha trabajado al igual que mi clase al pintor Arcimboldo. En él se recoge información del mismo, que os dejaré yo también.

Giuseppe Arcimboldo nació, al parecer, en Milán en 1527. Su padre, Biagio Arcimboldo, trabajaba como pintor en la catedral de Milán y el hijo pronto aprendió el oficio paterno: con solo 22 años ya debía de realizar diversos trabajos para la catedral.

Ya debía de ser un artista reconocido cuando en 1562 viajó a Praga invitado por el emperador Fernando I para convertirse en uno de los retratistas de la corte. Sin embargo era tal su ingenio que no tardó en sobrepasar las funciones de su profesión para embarcarse en todo tipo de investigaciones, organizar eventos y aconsejar al emperador en materia de artes e inventivas.

Por petición de la casa imperial, Arcimboldo realizó varias series de cuadros (variantes sobre un mismo tema) de donde combinaba las cosas más diversas para configurar rostros y siluetas. Hay interpretaciones para todos los gustos sobre estos curiosos collages. Algunos, por ejemplo, ven en la selección de determinados animales símbolos y significados relacionados con el emperador.

En 1587 abandonó Praga, para gran desgracia del emperador Rodolfo II que le tenía en muy alta estima, y volvió a Milán donde moriría años después en 1593.

Esta obra "primavera" es la que vamos a trabajar en clase.
De cerca, el cabello se convierte en una corona multicolor de florecillas silvestres.

La piel se tupe de flores blancas y rosas: la nariz se convierte en un capullo de azucena; la oreja en un tulipán; el ojo en dos belladonas y sus flores; el pómulo y el mentón en rosas; el cuello de la camisa es una sinfonía de margaritas y de florecillas blancas.

El vestido y la corporeidad de los hombros se consigue con hojas verdes de multitud de especies que florecen en primavera.

Pero no sólo vamos a trabajar el arte y la primavera.También vamos a trabajar conceptos matemáticos.

Simetría.
Círculo, semicírculo y cono.
Mitad.
Arco.
Motricidad fina.
Recorte.

La seño nos tiene que hacer una foto de perfil.

Después tenemos que decorarla con flores, que debemos hacer. Es donde pedimos la colaboración familiar.
Los niños ya han hecho estas flores para decorar el árbol de nuestro patio, pero como necesitamos muchas, os pedimos que desde casa colaboréis haciendo más.
El proceso es sencillo,a continuación os lo explico.

Le hemos dado a cada niño papel charol de un color, que después será intercambiado con el resto de sus compañeros, para que así el cuadro tenga más colorido y alegría.
En ese papel charol debemos dibujar círculos de diferentes tamaños.

3. Recortamos ese círculo. 4. Doblamos por la mitad y conseguimos un semicírculo.

5. Seguimos doblando todas las veces que podamos.

6. Pintamos un arco (aquí es donde puede haber mayor dificultad, pues si no pintamos bien el arco, no nos saldrán los pétalos).

7.Recortamos por el arco trazado.

Abrimos y ....¡¡tachán!! nuestra flor primaveral. Ahora sólo nos queda pegar un gomet en el centro.

Y próximos días os daremos los detalles de las obras de arte de los pequeños

EL UNIVERSO DE JOAN MIRÓ

2011-04-07T11:56:00.000-07:00

En clase estamos trabajando una unidad sobre el espacio. Son muchos los contenidos que giran a su alrededor.

Y como sabemos que el gran pintor catalán Joan Miró dedicó gran parte de su obra al mundo de las constelaciones, las estrellas y el universo, queremos dedicarle nosotros también un pequeño espacio de nuestra programación.

Esta obra plasma la vigencia que para Miró tenían todavía los signos y símbolos de los años cuarenta como expresión de su concepción poética de la pintura. Estrellas, planetas, las configuraciones elementales de los personajes ineludibles (la mujer y el hombre, el principio femenino y el principio masculino) y, por encima de ellos, una línea ondulante, probablemente un pájaro que reinventa el horizonte, contribuyen a la definición espacial y ofrecen una nueva versión de la cosmología mironiana.

Esa es la interpretación de esta obra de arte según su propio autor.

Mis niños también se han convertido en analistas de sus propias obras de arte, pero antes de ello, analizamos la verdadera.

Ellos no ven ni a un hombre, ni a una mujer, ven a un pescador que lanza la caña sobre el planeta Tierra (el hombre en la obra de Miró) y un faro o un cactus (la mujer en la obra del pintor catalán).

Observaron bien y comentaron que había una lluvia de meteoritos, así como unas grandes estrellas en la parte alta del cuadro.La pequeña bola roja en la zona superior izquierda la identificaron como el planeta Marte.

Lo hicieron bastante bien ¿verdad?

¿Cómo hicimos esta bonita obra de arte?

1. Primero le dimos la capa de oro con un rodillo y pintura amarilla, para hacer el fondo.

2. Dejamos secar durante un día porque algunos usamos más pintura de la cuenta.

3. Amasamos con la palma de nuestras manitas plastilina de color azul para convertirla en una esfera. De esta forma trabajamos también un contenido del área de matemáticas.Una vez hecha la bolita explicamos qué es una esfera. Una vez conseguido este efecto, procedemos a convertila en el planeta azul, nuestro planeta Tierra, quitándole el volumen, pues tiene que estar sobre nuestro lienzo, convertiéndola en una superficie plana, el círculo.

4. Con lápiz de escritura dibujamos las estrellas del espacio.

5. La lluvia de meteoritos , "el faro" y el "hombre pescando" la hemos plasmado con cera negra Manley.

6. Por último, le damos un baño de cola blanca y agua.

¿A qué podrían ser la próxima colección de arte del Museo del Prado?

Kandisky y los círculos concéntricos

2011-04-07T11:43:00.000-07:00

Hemos trabajado el cuadro de los círculos concéntricos de Kandisky.

Hemos realizado un taller de pintura. Primero clasificamos los tapones por tamaño; grande, mediano y pequeño. Nos pusimos de pie e íbamos por los equipos estampando diferente tapones de diferentes tamaños y colores.

Círculos concéntricos: Kandisky on PhotoPeach

Círculos concéntricos: Kandisky on PhotoPeach

LAS ESTACIONES

2010-03-28T03:55:00.000-07:00

DESDE QUE EMPEZÓ EL CURSO, HEMOS PASADO YA POR DOS ESTACIONES, EL OTOÑO Y EL INVIERNO.
EN EL COLE SEGUIMOS ESTE AÑO UN PROYECTO LLAMADO "VIVIMOS LAS ESTACIONES", Y DENTRO DE ESTE TRABAJAMOS EL ARTE.
NOS HEMOS SERVIDO DE ESTE CUADRO UTILIZANDO DIFERENTES TÉCNICAS:
POR EJEMPLO PARA EL OTOÑO, PINTAMOS EL FONDO DE AMARILLO, EL CABELLO LO DECORAMOS CON CASTAÑAS PREVIAMENTE COLOREADAS POR NOSOTROS Y PARA PINTAR LA CARA UTILIZAMOS CERAS BLANDAS.
EN EL INVIERNO, LOS COLORES QUE EMPLEAMOS FUERON OTROS, PARA EL FONDO USAMOS EL GRIS, EL CABELLO LO ADORNAMOS CON BOLAS DE ALGODÓN, Y EL ROSTRO VOLVIMOS A USAR CERAS BLANDAS MARRONES.

AQUÍ TENÉIS LA SILUETA DEL CUADRO POR SI QUERÉIS TRABAJARLO EN VUESTRAS AULAS.

MATISSE, PADRE DEL COLOR

2010-03-28T03:46:00.001-07:00

Matisse descendía de una familia de comerciantes de cereales. Empezó a pintar en 1890, año en que abandona sus estudios de jurisprudencia. En París se inscribe en la Academia Julien y luego en la Academia de Bellas Artes digirida por Moreau, que proponía que no se copiaran las obras de modo mimético. En el Louvre frecuentó a los grandes maestros, e incluso llegó a copiar sus cuadros. Pronto puso en tela de juicio la noción de estricta imitación de la realidad. Matisse apuesta por la esencia y no tanto por la apariencia de realidad fotográfica.

Para él el color es el que da entidad a la pintura, el color puede desempeñar el papel de dibujo, de perspectiva, de sombra de volumen... . Observa que la vida es color y lo plasma en su pintura. La supresión de sombras y su sustitución por colores puros hace que la pintura brille más que nunca. Matisse dibuja con el color y lo distribuye en el espacio de modo que éste quede sugerido sin que se produzcan las deformaciones de la perspectiva.

El arte de Matisse es amable, de gran luminosidad, apacible, pero no por ello ingenuo, sino de gran virtuosismo e inteligencia. Sus ventanas se abren al silencio, y la luminosidad no provoca sombras, ni degradaciones, sino que se mantiene en un estado de plenitud y de serenidad que oculta el esfuerzo realizado. En sus obras vuelca la alegría de la meditación, exenta de inquietudes. Su obra es un resultado de orden, imaginación, disciplina y libertad.

Propone un arte calmado que reconforte al hombre fatigado, que lo serene. Su espíritu domina sobre la obra. Su arte es un camino hacia la profundidad de sí mismo, llegados a esta meta, descubrimos el silencio.

Matisse trabaja a base de amplias áreas de color, mostrándose con ello heredero de Gauguin. La pintura se hace presente a través del grumo y del empaste, sentimos la pintura como materia. La mancha plana de color provoca en nosotros un valor plástico y figurativo. Matisse construye sobre el color.
(fuente: www.spanisharts.com)
Si queréis trabajar esta obra, aquí os la dejo en forma de silueta.

2009-12-26T14:49:00.000-08:00

http://www.museodelprado.es/educacion/recursos/audioguias-infantiles/
iNTERESANTE WEB PARA HACER UNA VISITA GUIADA POR EL MUSEO DEL PRADO.

PINTA COMO LOS GRANDES ARTISTAS

2009-09-12T11:46:00.001-07:00

2009-06-07T06:14:00.000-07:00

Visitando el blog http://samogapeques.blogspot.com/ he encontrado un enlace http://www.jacksonpollock.org/ muy interesante para crear obras artísticas al estilo de Jackson Pollock.Nació en Cody, Wyoming (Estados Unidos), y posteriormente, en 1929, se mudó a Nueva York, donde estudió con el pintor Thomas Hart Benton.

Se le relaciona con el surrealismo en la medida en que su obra pictórica se basa en el «automatismo», en una escritura automática que pretende reflejar los fenómenos psíquicos que tienen lugar en el interior del artista. Entre 1935 y 1943 trabajó para la WPA y pintó bajo la influencia de Picasso, el surrealismo y el psicoanálisis jungiano que usó como terapia contra su alcoholismo. En 1936 tuvo ocasión de trabajar en el taller experimental del muralista Siqueiros, usando pintura con bomba de aire y con aerógrafo, así como pigmentos sintéticos industriales. Desde 1938 hasta 1942 trabajó para el Federal Art Project (Proyecto de Arte Federal). Pero en el caso de Pollock, hubo otras fuentes de inspiración añadidas. Así, la cultura de los indios de Norteamérica, con sus formas simbólicas y sus pinturas de arena. Esto le llevó también a probar otros materiales, como el barniz, el aluminio o los esmaltes sintéticos.

El pintor se casó con la pintora Lee Krasner en 1945.

Pollock se distanció del arte figurativo y desarrolló técnicas como el splashing o el dripping, consistentes en lanzar pintura al lienzo o dejarla gotear encima de este (action painting), sin utilizar dibujos ni bocetos. A causa de esta forma de pintar, Pollock fue apodado «Jack the Dripper» , juego de palabras con «Jack the Ripper» o «Jack el Destripador», y «Dripper» o «goteador» y que podría traducirse como «Jack el Goteador». Pollock comenzó a usar esta técnica en el año 1947, año en el que precisamente participó en la última exposición en la galería Art of this Century.

Pollock extendía la tela, normalmente sin tratar, sobre el suelo, y corría o danzaba a su alrededor y dentro de ella, derramando la pintura de manera uniforme. Pollock no trabajaba sobre el lienzo sino, muchas veces, metido en él. En efecto, no trabajaba la tela con utensilios tradicionales como el pincel o la espátula, sino mediante la técnica del dripping.

El dripping consiste en dejar gotear o chorrear la pintura, desde un recipiente (tubo, lata o caja) con el fondo agujereado, que el pintor sostenía en la mano o bien, en menor medida, desde un palo o una espátula. De esta manera pintar no era algo que se hacía con la mano, sino con un gesto de todo el cuerpo. Las grandes telas se llenaban por todos lados, de manera uniforme, de color en forma de manchas e hilos que se mezclaban. El pintor añadía goteos más finos realizados con un bastoncillo mojado en pintura.

ARTE RUPESTRE

2009-05-25T12:40:00.000-07:00

Que el arte es verdaderamente un derecho de nacimiento resulta obvio desde sus comienzos. No empieza en la historia, sino en la prehistoria, hace miles de años.
Nuestros ancestros del Paleolítico, que vivieron entre los años 30000 y 8000 a. C., eran pequeños, peludos y analfabetos, y poco más se puede decir de ellos con certeza desde el punto de vista arqueológico. Pero una cosa está totalmente clara, y es que los habitantes de la edad de piedra eran artistas, y no sólo artistas capaces de describir en términos visuales los animales que veían a diario ( este tipo de arte puede ser una mera ilustración). La pintura rupestre es mucho más que eso: es arte a lo grande, arte maravilloso que se manifiesta en obras de una fuerza y sutileza que nunca han sido superadas.

Las pinturas de las cuevas de Altamira, cerca de Santander, son las primeras que se descubrieron durante la época moderna, en 1879. El descubrimiento tuvo tales implicaciones, fundamentales para la arqueología, que al principio se creyó que se trataba de una falsificación. Este gran bisonte se halla en el techo de un pasillo largo y estrecho que lleva a una cueva subterránea en Altamira. No está solo: toda una manada surge majestuosamente del techo, un animal tras otro -caballos, jabalíes y mamuts, entre otros, todos ellos presas deseadas del cazador de la edad de piedra. A pesar de la confusión, imponen una fuerte presencia animal.

Técnica de la pintura rupestre
Las cuevas son totalmente subterráneas y, por lo tanto, están en permanente oscuridad. Los arqueólogos han descubierto que los artistas pintaban con la ayuda de pequeñas lámparas de piedra llenas de grasa animal o tuétano. Los diseños iniciales se grababan en la roca blanda, o bien se soplaban en la pared finas líneas de pintura con una caña hueca. Para conseguir pinturas coloreadas, los artistas utilizaban el ocre, un mineral natural que machacaban hasta convertirlo en polvo y con el que podían conseguir pigmentos rojos, marrones y amarillos; el negro probablemente lo obtenían a partir de carbón machacado. Los pigmentos en polvo se restregaban por la pared con las manos o se mezclaban con alguna sustancia aglutinante, como por ejemplo la grasa animal; después se aplicaban con cañas o con pinceles de cerda. Los medios eran simples; sin embargo, el efecto es abrumador, especialmente en el sobrecogedor silencio de la cueva.

Significado de la pintura rupestre
Se cree que estas pinturas tenían úna profunda importancia para la sociedad prehistórica. El bisonte casi parece vibrar con fuerza al mostrar su imponente pecho, su compacta rabada y sus patas cortas y delgadas. Además, sacude un agresivo par de cuernos. Es más que probable que nunca lleguemos a conocer el verdadero significado de la pintura rupestre, pero casi seguro que tuvo una función ritual, incluso mágica. En qué medida este arte se creó porque sí, y esto no podemos descartarlo totalmente, seguirá siendo un misterio.
Al parecer, el extraordinario naturalismo y la exactitud anatómica del retrato de animales en estas pinturas tienen relación con el propósito que servían. Los artistas también eran cazadores, y sus vidas dependían de los animales cuyas imágenes pintaban en las cuevas. ¿Es posible que estos cazadores-artistas creyeran que al representar con exactitud la fuerza, el poderío y la velocidad de los animales, adquirirían poderes mágicos? Así serían capaces de controlar su espíritu y quitarles la fuerza antes de cazarlos. Muchas de estas pinturas muestran a los animales heridos oatravesados con flechas, y algunos ejemplos incluso ofrecen pruebas de ataques físicos en la imagen pintada.

El naturalismo con que están pintados y dibujados los animales no se aplica al retrato de la figura humana, tal vez por esa misma razón. Raramente representan personas, y cuando lo hacen, las formas humanas son las más simples; muchas veces se trata de formas simbólicas, como se puede ver en la imagen del hombre postrado en esta sorprendente pintura que data de entre el año 15000 y el 10000 a. C., y que se encuentra en úno de los lugares más celebrados de la pintura rupestre: las cuevas de Lascaux (Dordoña, Francia). El hombre, que parece un palo, yace en el suelo frente a un bisonte destripado y con el pelo erizado. Debajo del hombre se encuentra una figura que podría ser un pájaro, o posiblemente un tótem o un estandarte con la imagen de un pájaro. La pintura tiene una fuerza increíble, y debemos confesar que ignoramos su significado; sin embargo, esta falta de conocimiento no afecta a nuestra reacción. Sólo por esto, el arte prehistórico es representativo de toda la pintura que le seguiría.

FUENTE: http://www.imageandart.com/tutoriales/historia_arte/primeras_pinturas/index.html

YA HUELE A AZAHAR...

2009-03-28T10:53:00.000-07:00

Cada mes, en clase vemos una obra de arte relacionada con el centro de interés de la unidad, ya hemos visto algunas y dejé constancia de ello en mi otro blog http://lavakitanikolasita.blogspot.com

He decidido crear este otro para dedicarlo sólo al arte.

Para arrancar os dejaré una pintura de Joaquín Domínguez Becquer "La Giralda desde la calle Placentines". En Sevilla, ya huele a azahar, a incienso, se escuchan el redoble de las campanas, las cornetas y tambores, ya se comen torrijas y se ven los cirios encendidos.Llega, la Semana Santa.

fuente de la imagen http://www.arrakis.es/~nautylus/pinturas/pinturas.html